Home Edizioneed. 11 Tribute: DAVID LACHAPELLE
14a

Tribute: DAVID LACHAPELLE

A cura di Gianmarco Almici

Provocazione, blasfemia, sogno e surrealismo conclamano David LaChapelle pioniere d’avanguardia. Eterno innovatore ha fatto del kitsch un elemento di forza iconografica proponendo un diverso modo di concepire l’eleganza. 

David, fortemente critico nei confronti del consumismo nauseabondo dell’attuale società odierna, utilizza la metafora e l’iperbole per evidenziare il mondo artificiale caramelloso e patinato dello star system, che lui stesso abbandonerà per dedicarsi, in una seconda fase produttiva, ad una riflessione più intima e zen nella costante ricerca di un dialogo con la natura e i suoi effetti. 

LaChapelle, affascinato negli ultimi anni dalle figure dei santi, ricrea scene della tradizione cristiana rivisitate in chiave glamour. 

Religione e mitologia si fondono in contesti metropolitani dove McDonald e dark room diventano semanticamente i moderni templi sacri dell’era post moderna e il prodotto seriale assume connotati mistici. La forte critica però è sempre incanalata da un occhio ironico e divertito che palesa uno spirito ludico, intelligente e mai banale.

Pubblicitá, videoclip e tanto altro. La sua carriera vanta un vero e proprio carosello di stars che fanno la fila per essere immortalate da un suo scatto, con David la fotografia di celebrities diventa arte pura e di livello. 

Eclettico e colto, ma attratto dall’arte popolare di strada; spirituale, ma interessato al mondo queer;  introspettivo, ma vicino allo sfarzo mondano.

Lachapelle ha saputo fondere le fisiologiche contraddizioni che fanno parte dell’essere umano in modo naturale e spontaneo, senza mai tralasciare il rigore e il virtuosismo che ha ispirato e continua ad ispirare le nuove generazioni di fotografi.

Oggi incontriamo David che con grande gentilezza e disponibilità ci ha concesso il suo preziosissimo tempo.

Il Suo percorso artistico è iniziato lavorando per la rivista americana “Interview” di Andy Warhol; quali aspetti umani e artistici ha ammirato del Suo maestro e ci sono elementi stilistici che ha fatto suoi e che Le sono serviti nella Sua evoluzione come artista?
Da bambino collezionavo la rivista Interview di Andy Warhol. Il suo lavoro mi entusiasmava. Quando sono arrivato a New York e ho fatto la mia prima mostra alla Gallery 303, ho trovato Andy e gli ho mostrato il mio portfolio. Mi diede una possibilità e quello fu l’inizio di tanti grandi incarichi.

Andy aveva un grande senso dell’umorismo ed era generoso con le persone con cui lavorava. Era anche generoso con il suo tempo. Era anche una persona complessa. Molti non sanno che andava in chiesa ogni domenica, era molto religioso.

Diceva cose come “sono una persona profondamente superficiale”, ma in realtà non era vero. Tutto per lui poteva essere un atto d’arte, dal suo lavoro al modo in cui parlava e viveva. 

Un ricordo speciale che spicca è stato quello di andare a vedere Prince al Madison Square Garden. Ho incontrato Andy al Blarney Stone sull’8th Avenue e siamo andati insieme. Sapeva che ero un fan di Prince e mi ha invitato. È stato molto speciale perché è stata l’unica volta in cui sono stato con lui da solo.

Oggi ho la fortuna di avere uno studio di lavoro permanente con amministrazione e archivi. È come una fabbrica, quindi in qualche modo l’aver frequentato lo studio di Andy ha influenzato il modo in cui organizzo la mia attività.

La ricerca del grottesco tra lustrini e paillettes, India, religione, Mc Donalds, pornografia, surrealismo e barocco contemporaneo rivelano un percorso di ricerca e analisi di un Kitsch prettamente americano, iperbolico e iconico che prende le distanze dal Kitsch inglese e dalle forme d’arte concettuali e fisiologicamente elitarie. La Sua arte è popolare, di strada, estranea ai radical chic. Questo fil rouge in cui il Kitsch è l’elemento distintivo è una chiara presa di posizione stilistica e di ricerca, oppure è tutto nato e partorito spontaneamente dal nulla e non esige alcuna regola?
Piuttosto che strategizzare uno stile o un risultato particolare, lavoro con ciò che mi interessa e che mi attrae. Il mio processo è intuitivo. In diversi capitoli della mia vita ho trovato vari soggetti che mi interessano. Quando ho un’idea, è come una combustione nel mio cervello – e la fotografia è il risultato…

Chi è Amanda Lepore per Lei? Ci racconti quando e come è nato l’interesse artistico per lei, tanto da farla diventare la Sua musa.
Negli anni ’80 e ’90 vedevo Amanda nei locali notturni di New York e nel centro dell’East Village. Pensavo che fosse cattiva a causa del suo aspetto, ma al contrario era molto gentile. L’ho avvicinata e siamo andati d’accordo. Abbiamo fatto un servizio fotografico e poi siamo diventati amici. A quel tempo il paese era davvero un piccolo villaggio. 

Quando morì una mia cara amica, Amanda fu l’unica a venire a trovarmi ogni giorno. Non ci conoscevamo ancora bene, ma veniva a farmi compagnia. A volte stavamo insieme senza parlare per ore. Le piaceva essere fotografata e a me piaceva fare foto. Mi piaceva il modo in cui si metteva in posa. Ci siamo divertiti e abbiamo riso insieme. 

La prima foto che abbiamo fatto è stata Addicted to Diamonds. Volevo fare una dichiarazione sul materialismo e sulla dipendenza delle persone dalle cose materiali. Dieci anni dopo l’uscita del libro, due miei fan mi dissero che amavano così tanto la foto da averci sniffato sopra delle strisce di cocaina la sera di Capodanno. Sono rimasto deluso perché l’intenzione dell’immagine non è quella di glorificare il consumo di droga. 

Ho capito allora quanto le intenzioni possano essere fraintese e quanto sia importante avere chiarezza. Di solito le persone non approfondiscono troppo quello che stai facendo. L’obiettivo è realizzare qualcosa di così audace che le persone ne capiscano il significato in tre secondi. 

Sono sempre sorpreso quando le persone mi chiedono se le mie foto sono blasfeme. Credo che per alcuni sia difficile capire che si può fare un lavoro su idee sia laiche che religiose.

Mi sento a casa in Italia perché la vita quotidiana e la fede convivono così bene.

Molti sostengono che la Sua svolta spirituale sia avvenuta di punto in bianco durante la visita alla Cappella Sistina nel 2006. Un David LaChapelle tra fiaba onirica, spiritualità e spettacolo. Che cosa ha vissuto durante quella visita, quali processi mentali e sentimenti ha innescato?
Ero un adolescente quando ho visto la Cappella Sistina per la prima volta. La cattedrale era così tranquilla e silenziosa e vedere di persona gli affreschi di Michelangelo mi ha cambiato la vita. 

Quando l’ho visitata di nuovo nel 2006, ero già immerso nel processo di creazione della mia opera sul diluvio dell’Antico Testamento, ma questo ritorno a Roma ha consolidato il mio intento di fare le cose in grande con la mia idea, che parlava di una trama di cambiamenti climatici e di un mondo decaduto ambientato a Las Vegas.

Tutti La definiscono il Fellini della fotografia. A che età ha visto il primo film del grande regista? E tra le sue opere ne trova una particolarmente vicina alla Sua? Quale personaggio felliniano le sarebbe piaciuto creare?
Amo i registi italiani degli anni ’50 e ’60. Adoro le immagini di Zeffirelli degli anni ’70. 

De Sica, Pasolini e Fellini sono tutti grandiosi. I film di Concetta provenienti dall’Italia includevano narratori incredibili e ognuno di loro mi ha influenzato. Mischiavano idee secolari e spirituali e affrontavano le cose con umorismo, bellezza ed empatia….

Il 2006 è anche l’anno della svolta ecologica, un tema di grande attualità. Ci si è allontanati dai riflettori per iniziare una nuova vita zen, lontana dalla fretta industriale e dal consumismo. La natura, gli eventi climatici e i frutti della terra, sempre saggiamente rivisitati, diventano i temi principali. Cosa pensa dell’attuale situazione dovuta al riscaldamento globale e che rapporto intimo ha con l’ambiente, visto che da anni vive in una fattoria biologica lontano da ogni forma di modernità?
Guardo il mondo come se fosse il giardino di Dio, ovunque si trovi sul pianeta… L’oceano, il deserto, le montagne: questo è ciò che Dio ha ricreato per noi. Questo è il giardino.

Più il mondo cade, più voglio essere vicino al creatore.

Il nuovo linguaggio da Lei ideato, che si dipana spontaneamente tra fiaba e battuage gay, tra glamour queer e misticismo, tra scandalo e iconografia religiosa, ha sempre avuto come collante l’erotismo, spesso caratterizzato da una sessualità diversa o alternativa. In che modo, e in quali dosi, il sacro e la sessualità riescono a convivere nel suo lavoro? Semplice gusto blasfemo della provocazione o c’è dell’altro?
Affronto il mio lavoro con sincerità. Quando uso l’umorismo è perché mi sento felice e voglio esprimere qualcosa di divertente. Ho avuto diversi periodi di lavoro che riflettono diversi capitoli della mia vita, e anche se non farei necessariamente le stesse foto che ho fatto nei primi periodi della mia vita, fanno tutte parte della stessa esperienza. Quando guardo il mio lavoro è come se guardassi una mostra collettiva, con molte voci diverse.

Chi è l’artista visivo e quale opera si avvicina di più a quella che per Lei è l’essenza dell’arte?
Sono stato influenzato da tanti artisti e musicisti, scrittori, drammaturghi, poeti e registi. Ogni artista ha ragioni diverse per essere grande. Non riesco a immaginare una vita senza arte.

L’arte è stata una parte importante della mia vita fin da quando ero giovane e l’elenco delle influenze è lungo centinaia di miglia. 

Se dovessi nominare un artista che rappresenta l’apice dell’espressione, sarebbe Michelangelo.

Quando guardo i suoi quadri provo qualcosa, le espressioni e i gesti delle sculture e dei dipinti mi commuovono in un modo che non si può descrivere.

Quale delle Sue opere l’ha soddisfatta di più dal punto di vista artistico?
La mia serie più recente – la Via Crucis – è uno dei progetti più speciali per me. Mi sono sentito davvero guidato nel realizzare queste immagini. C’era una sincronicità nel processo e credo che sia accaduto perché ero nel posto giusto spiritualmente e fisicamente. 

Anche il modo in cui Tedua è entrato a far parte del progetto è stato molto speciale. Stavo lottando per trovare il ruolo di Gesù, e stavo valutando molte idee e approcci a questa rappresentazione, e Tedua è apparso dal nulla. La sua partecipazione a questa serie è stata una preghiera esaudita. 

Credo che molti artisti sentano che Dio può lavorare attraverso di loro. Nel caso della mia Via Crucis, mi sono sentito guidato da un potere superiore.
È curioso che alcuni dei lavori più amati dai miei fan siano quelli che io ritengo non siano i miei migliori. Sento che i miei lavori migliori, come il Diluvio o questa serie recente, sono quelli in cui mi trovo in una fase molto positiva e ascolto davvero la guida di Dio.

I Suoi primi scatti negli anni ’80 erano caratterizzati da eleganti immagini in bianco e nero. Poi la svolta, che non hai mai abbandonato, del colore acceso, saturo al massimo, a volte addirittura dipinto su negativo. Si è trattato di una precisa svolta stilistica o il processo si è evoluto spontaneamente?

È stata una sperimentazione, un’evoluzione e una crescita.

All’età di sei anni ha scattato la prima fotografia di Sua madre Helena in costume da bagno. A che età ha capito di voler diventare un fotografo e quando è stato il primo lavoro che ha considerato artistico?
Da bambino volevo fare il pittore. Pensavo che la fotografia comportasse troppa matematica e scienza, ma quando ho scattato la mia prima foto, ho capito che era qualcosa che potevo sentire e fare intuitivamente. 

Mi piaceva la parte teatrale della realizzazione di una foto… creare un set e lavorare con tutti e poi andare in una stanza buia e lavorare da solo. Dopo aver imparato il bianco e nero in studio, ho voluto giocare con il colore.


Ho iniziato a sperimentare giocando con i coloranti e cambiando i colori dei miei negativi. Non l’avevo mai visto fare prima, ma volevo provare.

Il processo esaltava i colori ed era come un ibrido tra pittura e fotografia. Ho provato molte cose diverse e ho continuato a sperimentare…

Quale incontro o collaborazione considera più importante nella Sua lunga carriera?
La collaborazione più importante è quella con le persone con cui lavoro. Quando realizziamo una fotografia, spesso sono coinvolte molte persone. Non si tratta solo delle persone davanti alla macchina fotografica, ma anche di quelle dietro. Tutti questi rapporti sono importanti e sono tutti anelli di una stessa catena. Lavoriamo insieme per realizzare le foto e portarle nei musei e nel mondo. 

Chiunque si prenda il merito di essere un artista deve fare tutto da solo, ma non posso prendermi il merito di tutto. Chissà quante persone avete incontrato nella vostra vita che vi hanno dato una parola gentile, una preghiera, una canzone, un quadro o un album da ascoltare… Tutte queste relazioni sono importanti. Chissà chi ha pregato per noi quando eravamo bambini…

Potrebbe interessarti anche:

Alma: perle e gioielli
Logo Art & Glamour Magazine

Art & Glamour Srl – P.Iva: 12834200011
Registro Stampa N. Cronol. 7719/2023 del 23/03/2023
Tribunale di Torino R.G. N° 7719/2023 – Num. Reg. Stampa 5

INSTAGRAM

Copyright © 2023  Art & Glamour Srl – All Right Reserved  – Designed and Developed by Luca Cassarà